¿Por qué los precios de las nuevas obras de muchos artistas son tan altos? ¿Son prudentes esos precios cuando los artistas aún están surgiendo y tienen poca trayectoria? ¿Son justificables cuando la demanda se agota y los precios de reventa caen?
¿Habrá un momento en el que las galerías deberían considerar –¡jadea!– reducir los precios?
Considerada durante mucho tiempo un tabú, la posibilidad de reducir los precios primarios surge de vez en cuando, generalmente cuando una burbuja especulativa está a punto de estallar. La última ronda de rumores sobre esta cuestión comenzó hace unos dos años. Ahora la conversación finalmente está saliendo a la luz a medida que los valores de reventa no alcanzan los precios de compra y los artistas se encuentran atrapados en medio de una crisis de liquidez que está lanzando al mercado en picada.
“Artistas que habían vivido una vida sana, presentando un espectáculo cada pocos años, siempre agotando sus entradas y teniendo un comprador muy devoto, para muchos de estos artistas, el mercado se detuvo por completo”, dijo el asesor de poder Allan Schwartzman en una sala llena de expertos de la industria en Conferencia Talking Galleries New York esta semana en el piso 66 de un rascacielos en el desarrollo Hudson Yards en Manhattan.
Allan Schwartzman hablando en Talking Galleries en Nueva York esta semana. Galerías parlantes de cortesía
Los precios son la base de la capacidad de un artista para seguir trabajando. Representan, literalmente, un medio de vida. Por tanto, las galerías tienen la inmensa responsabilidad de acertar con las cifras.
En el caso de los artistas destacados, los marchantes deben tomar decisiones difíciles sobre precios y acceso. Priorizan museos y coleccionistas clave. Las cosas se complican cuando la demanda supera con creces la oferta y los precios secundarios aumentan. Los flippers inundan el mercado con la esperanza de sacar provecho, e incluso los coleccionistas más respetados a veces no pueden resistirse a obtener grandes ganancias. En 2022, por ejemplo, el coleccionista de Dallas Howard Rachofsky revendió un cuadro de 2019 de Christina Quarles, que cumplirá 40 años el próximo año, por 4,5 millones de dólares.
¿Qué deben hacer las galerías?
Elizabeth Dee, cofundadora de la feria de arte independiente, habló en Talking Galleries sobre la confusión en el sector de las galerías sobre un “ajuste de precios” para los artistas a mitad de carrera, dada la crisis económica. Quería saber si los traficantes deberían recortar.
“De hecho, creo que muchos artistas se beneficiarían de eso”, dijo Schwartzman. “Esto requiere pensar en todo el mercado, especialmente en los artistas que se encuentran en la mitad de su carrera, para quienes el mercado prácticamente se detuvo. Creo que sería muy saludable ver caídas muy importantes para aquellos artistas, que ya llevan bastantes años sin actividad. Hay una nueva base de coleccionistas que necesitan encontrar”.
Es una medida arriesgada. Jasmin Tsou, que dirigió la influyente galería JTT en Nueva York durante 11 años, hasta cerrar en 2023, advirtió durante otro panel de Talking Galleries que “no se puede reducir el valor de las obras de los artistas sin provocar un colapso total de sus carreras. “
En otras industrias, señaló Tsou, se pueden subir y bajar los precios sin sacrificar la percepción del valor intrínseco. El precio de una habitación de hotel suele ser diferente en diferentes noches, pero “sabes que la calidad de esa habitación sigue siendo la misma el martes y el sábado”, dijo.
Jasmin Tsou, derecha, Andrew Russeth, Monica Manzutto y Sadie Coles. Cortesía de Talking Galleries.
Pero los coleccionistas no ven lo que pagan por las obras de arte de la misma manera que lo que pagan por las habitaciones de hotel. “Si ese número baja, van a pensar algo en el artista”, dijo Tsou.
Estos no son pensamientos felices, es seguro decirlo.
“Uno quiere constantemente que el mercado primario suba”, dijo el coleccionista multimillonario Tom Hill en Talking Galleries.
Subir, subir y subir puede, y ha hecho, caer en una trampa para muchos artistas. A medida que la demanda se estabiliza o disminuye, los precios comienzan a reflejar un pasado que ya no existe. Secar las sales. Los compradores pasan a pastos más nuevos, más jóvenes y más interesantes. Las galerías dejan de mostrar tu nuevo trabajo.
‘La gente se muere por un cuadro’
“Ser artista es difícil”, dijo la marchante neoyorquina Marianne Boesky. “Es una vida como una montaña rusa por definición. “Puedes ser el artista más exitoso del planeta hoy y no tener demanda dentro de tres años”.
En 1996, cuando Boesky abrió su galería, los artistas tardaron aproximadamente una década en pasar de cero a un resultado de subasta significativo, dijo, pero esta línea de tiempo se ha contraído radicalmente en la era de Instagram. “En tres años, un artista puede pasar de ser completamente desconocido a convertirse en el loco favorito del mercado”.
Me comuniqué con Boesky para hablar sobre la exposición actual de su galería con Danielle Mckinney, cuyas pequeñas, oscuras y sensuales pinturas representan a mujeres negras con esmalte de uñas rosa neón en los dedos de manos y pies. Sugieren un cruce entre las escenas íntimas de Eric Fischl y Lynette Yiadom-Boakye, pero a menor escala.
Danielle McKinney, Contenga la respiración (2024) © Danielle Mckinney y cortesía de Marianne Boesky Gallery
“Nunca en mis 28 años como propietario de una galería había experimentado una demanda tan profunda y amplia”, dijo Boesky, quien ha representado a artistas superestrellas como Yoshitomo Nara, Takashi Murakami y Lisa Yuskavage. “La gente se muere por un cuadro”.
Los rumores en torno a Mckinney comenzaron hace tres años, justo cuando el mundo del arte comenzaba a salir de las restricciones pandémicas. El joven artista Vaughn Spann, cuya propia estrella brillaba, la incluyó en una exposición que curó en Half Gallery, una plataforma de lanzamiento de Nueva York para muchos artistas que despegaron en la última década. La Flag Art Foundation del coleccionista financiero Glenn Fuhrman en Chelsea presentó al artista en un extenso espectáculo de verano junto con otras voces incipientes, como Anna Weyant. Pronto siguieron tres exposiciones individuales, incluso en el espacio Aspen de Marianne Boesky y en la Night Gallery de Los Ángeles. Una nueva pintura al óleo de 24 por 18 pulgadas se vendió por 20.000 dólares en ese momento.
“Danielle Mckinney: Quiet Storm”, que se inauguró en la sede de Boesky en Chelsea la semana pasada, tiene 12 pinturas en exhibición y 10 a la venta. Los precios oscilan entre 60.000 y 90.000 dólares por una pintura de 24 por 18 pulgadas de una mujer con una túnica roja fumando.
Eso es un aumento del 350 por ciento en tres años. Pero los coleccionistas no se dejan intimidar.
Boesky dijo que fijó los precios de las últimas pinturas de Mckinney después de pensar mucho sobre cómo equilibrar dos necesidades en competencia: desincentivar a los especuladores (cobrando más) y atraer el interés de los museos (no cobrando demasiado).
Ya ha colocado las pinturas de Mckinney en unas 15 colecciones institucionales. Se están preparando múltiples exposiciones en museos y muchas otras adquisiciones están en proceso, dijo Boesky.
Danielle McKinney. Cortesía del artista y Marianne Boesky Gallery, Nueva York y Aspen
Los nuevos precios están más o menos en línea con las cifras de la subasta de Mckinney. En mayo pasado, un lienzo más pequeño adquirido a través de Night resurgió en Christie’s, alcanzando un precio de 201.600 dólares, diez veces su precio mínimo estimado en preventa. El mes pasado, apareció otro en la casa y se vendió por 100.800 dólares, el doble de su estimación más baja.
“Los precios que hemos fijado no hacen que nadie diga: ‘No, gracias’”, dijo Boesky. “Se siente bien”.
Todos deberíamos desear que Mckinney tenga una carrera larga, estable y exitosa. Pero el mercado del arte es voluble y la suerte puede cambiar rápidamente.
‘CHUPANDO EL OXÍGENO DEL MERCADO’
Tomemos como ejemplo a Rudolf Stingel, un artista exitoso desde cualquier punto de vista. Cuando realizó una retrospectiva en 2007 en el Whitney y el MCA de Chicago, estuvo representado por un trío de respetados marchantes: Paula Cooper en Nueva York, Sadie Coles en Londres y Massimo de Carlo en Milán.
“Rudolf Stingel: Paintings 1987–2007”, vista de la instalación, Whitney Museum of American Art, Nueva York, NY, 28 de junio al 14 de octubre de 2007. Foto: Ellen Wilson. © Rudolf Stingel. Cortesía de Paula Cooper Gallery, Nueva York.
Después de unirse a Gagosian, el artista agotó todas las exposiciones, con precios para obras nuevas que iban desde 800.000 dólares hasta 3 millones de dólares. En 2015, 18 nuevas y deslumbrantes piezas de metal (versiones chapadas en oro y a prueba de balas de sus célebres (pero frágiles) primeros paneles de poliestireno) se vendieron en 30 minutos después de ser lanzadas para su exposición en Gagosian en Hong Kong, según una persona familiarizada con esa exposición. .
En 2017, las ventas anuales de subasta de Stingel alcanzaron un máximo de 52,1 millones de dólares. Entonces las cosas empezaron a desmoronarse. En parte esto se debió a un cambio de gusto, en parte a las maquinaciones del estafador Iñigo Philbrick, y en parte a lo insostenible de los precios más altos.
Al informar sobre el mercado de Stingel en Bloomberg en ese momento, cité al asesor de arte Benjamin Godsill diciendo: “Se convirtió demasiado rápido en un mercado de mega dólares para los coleccionistas de trofeos. Los precios superaron la capacidad de la gente para comprar la obra. Y eso le quitó mucho oxígeno al mercado”.
La gente se quedó atrapada con obras que ya no podían revender. En diciembre pasado, una de esas piezas bañadas en oro, estimada en entre 1 y 1,5 millones de dólares, no logró encontrar comprador en Christie’s Hong Kong. De hecho, de los 22 lotes ofertados en 2023, un tercio no se vendió, según la base de datos de precios de Artnet. El total de la subasta de Stingel fue de solo 6,3 millones de dólares, una disminución del 87 por ciento desde el máximo de 2017.
Más obras de Stingel llegarán a la subasta en mayo como parte de la venta de la Colección Rosa de la Cruz en Christie’s, en un momento en el que hay una tremenda inquietud en el mercado. Su desempeño dependerá de si las estimaciones están en línea con la demanda actual. Si son lo suficientemente conservadores, nuevos jugadores pueden intervenir y ofertar, elevando los precios una vez más.
De izquierda a derecha, obras de Laura Owns, Sterling Ruby (la escultura y el siguiente cuadro) y Rudolf Stingel. en la Colección de la Cruz en Miami. Cortesía de Christie’s
Cómo reducir los precios en el mercado primario de forma segura y sostenible es un enigma que aún no se ha resuelto. Varios marchantes me dijeron que en principio no se oponen a hacerlo, pero no están seguros de cómo reaccionarían los coleccionistas y artistas. Por ahora solo ofrecen descuentos.
Algunos sugirieron que el mercado de un artista podría restablecerse cambiando a formatos más pequeños o medios diferentes. En lugar de realizar lienzos a gran escala, por ejemplo, un artista podría centrarse en obras sobre papel. (Incluso se podría ver la exposición actual de Stingel en Gagosian, en el Upper East Side, una instalación que consta de tres pinturas de tamaño modesto, alfombras y música, como una especie de pivote, aunque, con 3,5 millones de dólares, su precio no es nada modesto).
“No hay presión para producir esas pinturas que todos querían”, dijo Sarah Gavlak, propietaria de la galería Gavlak en Los Ángeles y Palm Beach. “Animaría a un artista de mi programa a experimentar. Haz un proyecto de impresión. ¿Qué tienes que perder?”
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