Cada crítico protege a un guardián, un pixie que se esfuerza por perturbar el alma de un director de museo, un comisionado o un artista fulguroso se convirtió en una estrella fría. Esta calidad del inspector, difícil de determinar, porque contiene sensaciones extrañas (etiqueta, molestia, desencanto), pica al crítico frente a las malas prácticas (“minucias que solo se preocupan por ti”, como en alguna ocasión rompió un director del museo a una crítica demasiado almizcle). Bueno, el completo de hoy no es discutible, ni raro. El marco: la exposición que el Centro Andaluz para el Arte Contemporáneo (CAAC) dedica a Elaine Sturtevant (1924-2014), la mayoría cuyas obras, de un conjunto de 40, es parte de un Bienes (Legada Herencia) Manejado por el poderoso propietario de la galería Thaddaeus Ropac, con espacios en París, Salzburgo, Milán, Londres y Seúl.
Las obras seleccionadas por Jimena Blázquez, directora de CAAC, para la primera retrospectiva de este artista estadounidense en España, han sido suministradas por la Marcha austriaca (que también ha dado piezas de su colección privada), excepto cinco, proporcionada por la Colección Pinault de París y el Museo Whitney en Nueva York.
Resistente. El eco de la innovación Reúne las obras de un artista más atacado y ridículo que el valorado. En el entorno de Nueva York de arte pop y acontecimientosSturtevant era una molestia, a pesar de su poderoso físico, con el aire de sus sueños, que amaba en un círculo de autores en su mayoría masculinos. Al igual que ellos, se utilizó para desafiar la idea de la originalidad en el arte, enfureciendo la élite de las marchas y los artistas, que toleraron mal que copiaron sus obras utilizando las mismas técnicas y formatos.
Para reproducir las pinturas de Frank Stella, se veía exactamente del mismo color de pintura industrial, papel similar y tono de color para replicar las banderas de Jasper Johns. Hizo imitaciones de las sillas con piezas de grasa de Beuys, de las 1.200 bolsas de carbón colgando del techo y el readymades Duchamp mejor conocido. Se grabó bailando las coreografías minimalistas de Yvonne Rainer (Tres paisajes marinos1962), se atrevió a reinterpretar los videos tardíos de Paul McCarthy, volvió a comprar los grupos de caramelos y los tornillos de las bombillas González Torres y las paredes de papel tapiz con los dibujos de Pisnes y Vaginas de Robert Rober Rober. Los elementos más iconográficos de POP (Flores, Marilyns y Andy Warhol Cows también calcularon la letra). En 2011 se distinguió con el león dorado de la Bienal de Venecia.
A diferencia de la corriente apropiada más elaborada de los años setenta, comandada por Douglas engarzando en el espacio de los artistas en Nueva York (Sherrie Levine, Barbara Kruger, Robert Longo, Cindy Sherman), Elaine Sturtevant, que nunca se convirtió en parte de esa familia, prefería la réplica pura y dura, como la que hizo de La tienda (1961), por Claes Oldenburg, copiando su aspereza de las tiendas baratas alrededor de East Village, donde los productos más diversos modelados en trapos empapados en yeso se desbordaron en los estantes (precios oscilaban entre 25 y 800 dólares). El propósito de esos APapas de Ventas Fue para demostrar que no había una diferencia inherente entre el arte y el mercado comercial de un bazar del vecindario.
Cuando la artista sueca conocía el plagio de su amiga, ella entró en ira (“¡No me hagas esto!”). El dueño de su galería, Leo Castelli, amenazó con demandarla, pero al final eligió comprar varios objetos de esa tienda de comestibles y destruirlos. Más benevolente, Andy Warhol le dio a la artista los serigraphs de sus flores para poder rastrearlas. Cuando alguien le preguntó al artista cómo los hizo, ese talento de la simplificación que se comportaba la nueva cultura de consumo: “No sabría qué decir, pregúntale a Elaine”.
De la verdad enfática del gesto, Sturtevant, que había estudiado psicología y filosofía, perseguida para dar la imagen de un nuevo sentido de representación. Casi medio siglo antes, Duchamp ya había emprendido ese tema, luego asumido para honor al estilo, cuestionando la idea de autenticidad, tan importante para la estética moderna. A partir de entonces, cualquier medio específico carecía de una verdad sólida. La imagen no era nada más que un palimpsest de representaciones, muchas encontradas o apropiadas, otras únicas. El artista ya no buscará las fuentes de un solo origen, solo las estructuras de importancia.
En el título de la exposición CAAC, se debe preguntar si hay innovación en el arte. Probablemente no, como ocurre en la ciencia, incluso en la gastronomía. La obsesión con la nueva es la modernidad innata, pero se basa en una percepción teleológica de la historia, que condenó a muchas culturas para ser ignoradas. Una expresión más apropiada sería la de los “momentos decisivos”, que alteran todo el marco conceptual del que se hacen las preguntas y se plantean nuevas relaciones (el descubrimiento de la perspectiva lineal en la pintura, el impacto del romanticismo, la invención de la collage).
Desde esta perspectiva, el artista se ha encargado de agregar sus obras al tropical Las imágenes más extendidas en la cultura occidental, como el desnudo masculino del clasicismo griego, que se prolonga con su prestigiosa verdad a través de escultores anónimos anónimos que traficaron copias, hasta llegar a los artistas/publicistas desde mediados del siglo pasado, y así hasta hoy.
Si se trata de desmitificar la “estética original” para equipararlo con un objeto de consumo, si debemos atacar las instituciones artísticas concebidas como publicidad y también cuestionar los sistemas que moldean nuestra percepción, la muestra robusta que ahora ocupa los espacios formidables de la galería de arte de la tarjeta. Deplorable, aunque, esta vez, un almacenar de lo auténtico.
Sturtevant: el eco de la innovación. Caac. Sevilla. Hasta el 21 de septiembre.
