¿Para qué sirve la música? Nadie lo sabe bien, pero todos lo necesitamos. “Es una revelación mayor que toda sabiduría y filosofía”, escribió. beethoven, fascinado, convencido. ¿Quién podría decirle que estaba equivocado? Sin imágenes, sin letras, la música nos conmueve. Algunos intentaron plasmar esa magia en un lienzo.
En esta nota, un breve pero intenso recorrido por una serie de obras que, cada una, a la manera que cada una encuentre, pondrá una música particular: sólo hay que mirar cada cuadro durante varios segundos y dejar que el sonido surja. Empecemos.
Empecemos por un piano, pulcro, magnánimo, al fondo de la sala.
Caballero y dama tocando la espineta.también conocido como la lección de música. Un óleo sobre lienzo del holandés Juan Vermeer pintado hacia 1660. Pertenece a la Colección Real de la Familia Real Británica y se conserva en el Palacio de Buckingham, Londres.
Una joven estudiante, de espaldas, su profesora a su lado, de pie. Escena interior, iluminación solar en alta perspectiva. Hay letra: en la tapa del piano se lee: “La música es compañera de la alegría y medicina del dolor”.
También vemos una mesa cubierta, un jarrón encima, la silla aristocrática. En el suelo, la viola da gamba, y arriba, contra la pared, un espejo que refleja a la niña concentrada en su instrumento que nos maravilla y conmueve a los espectadores.
Un pífano es un instrumento, una especie de flauta pequeña de tono muy alto que se toca en forma transversal. Se cree que los suizos lo introdujeron en sus regimientos tras la batalla de Marignano. Édouard Manet Lo pintó en 1866: un músico adolescente de la banda de la Guardia Imperial.
el pífanoque hoy se encuentra en el Museo de Orsay de París, lo realizó en un viaje a España en 1865, donde descubrió la obra de Velázquez. Los especialistas aseguran que aquí se ve claramente la influencia de la pintura española, por lo que el cuadro fue rechazado por el jurado del Salón de París de 1866. Tras este rechazo, el escritor Emile Zola Publicó una serie de artículos en defensa del pintor.
Finalmente se expuso en 1867 en una exposición en el propio taller de Manet y casi veinte años después, en 1884, estuvo presente en la gran exposición retrospectiva de su obra que se organizó a modo de homenaje. El pintor murió en 1883.
En la obra el fondo desaparece y sólo queda el niño tocando en la poderosa soledad de su música.
Gustavo Klimt, de estilo ostentoso, dorado, algo gótico pero sobre todo bello, tiene su postal dedicada a la música. No es el único, pero sí muy singular. El título es, perdonen la redundancia, musica yo.
El cuadro, pintado en 1895, que hoy se puede ver en la Neue Pinakothek de Alemania, tiene algo del Art Nouveau de Klimt.
Es una representación alegórica. Una mujer vestida con túnica sostiene una lira. También vemos una esfinge, motivos florales, formas geométricas. Además de colores y formas, existen texturas. Y el oro, por supuesto, el toque característico del artista, su belleza.
Dicen que cada vez que cantaba cocinero weda el mundo se volvió diferente, se tiñó de otro color, de otro tono, como si todo fuera sensibilidad, como si el simple hecho de existir fuera algo conmovedor.
La noche del 22 de febrero de 1889 en la Liga de Estudiantes de Arte de Filadelfia, el pintor Thomas Eakins La escuchó cantar por primera vez. Ella tenía veintitantos años. Era un retratista ya experto, con una trayectoria sólida, una búsqueda personal y casi cincuenta años.
En ese momento, los críticos decían de Cook que tenía una “poderosa voz de contralto”. El público fue más directo: dijo que escucharla cantar era como sacarle el corazón y sostenerlo entre sus manos por un rato.
Un día la convenció para ir a su estudio a posar. Necesitaba, le dijo, pintarse la voz. Que ella sabía cómo hacerlo. Ella sólo necesitaba tiempo. Comenzaron en 1890 y las arduas sesiones duraron dos años. En 1892 se completó. lo tituló el cantante de concierto.
Luego intentó venderlo pero no pudo, hasta que Cook le dijo que quería comprarlo ella misma. Él dijo no. Finalmente acabó, en 1929, en el Museo de Arte de Filadelfia, donde se encuentra ahora.
No es un solo músico, ni un solo cuadro. Hay dos collages y varios óleos similares a éste. Una versión se encuentra en la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA); otro está en el Museo de Arte de Filadelfia. Pero hablemos de los músicos.
En tres musicos Hay un Arlequín, un Pierrot y un monje. Algunos dicen que representan picasso, Guillaume Apollinaire y Max Jacobo. La forma recta, dura y cuadrada parece quitarle el sonido a la obra. ¿O es que cada uno pone lo que le pasa por la cabeza?
“Picasso hace una composición intrincada, similar a un rompecabezas. Es decir, pinta en un estilo de cubismo sintético, como recortes de papel pegados para crear estos personajes tan extraños y fascinantes”, escribió. Miguel Calvo Santos en el portal historia-art.com.
Picasso realizó esta obra en 1921 en Fontainebleau, cerca de París, Francia, en su clásico estilo cubista.
Durante la década de 1860, Edgar Degas Se dedicó a explorar el entorno de la ópera y retratarlo en su aspecto más mundano. Dos ejemplos famosos son La fuente y El centro de danza de la Ópera. A finales de esa década, entre 1868 y 1869, pintó La orquesta de la óperacentrándose en los músicos.
En el centro de la escena, un músico, que también era su amigo: D.Dihau, que tocaba el fagot. A su alrededor, los compañeros, todos dentro del foso, vestidos de negro, ensombrecidos. A lo lejos se pueden ver los bailarines.
La orquesta de la ópera Está ubicado en el Museo de Orsay, París, Francia. También es conocido por el título Los músicos de la orquesta.. El encuadre es prácticamente fotográfico. La dedicación del pintor se amalgama con la de los músicos retratados. Todo combina, todo está en armonía.
