Cuenta Alfredo Álvarez Plagaro (Vitoria, 1960) que la vocación de ser artista le viene de familia. Su padre pintaba cuadros “por amor al arte” y su hermano, Moisés Álvarez Plágaro (1946 – 2011) fue un pintor profesional reconocido con el VII Gran Premio de Pintura Vasca en 1974, por lo que en su casa se utilizaba el “”perfume de trementina”. ” Con esos antecedentes, su destino parecía decidido y Álvarez Plágaro es conocido desde hace décadas por su “Imágenes iguales”, algunas obras aparentemente gemelas, pero no lo son del todo. Un maestro de la repetición que se ha convertido en protagonista de exposiciones monográficas como la que tuvo lugar hace unos meses en Galería Naharro (Madrid). Hablamos con él sobre su trabajo, su inspiración y sus próximos proyectos.
– ¿Cuáles fueron las principales influencias en tu trabajo inicial, cuando utilizaste un lenguaje expresionista en tus obras?
A mediados de los 80 estaban de moda el neoexpresionismo alemán y la transvanguardia italiana, el regreso de la pintura-pintura. Recuerdo que, en mi primera exposición individual, que fue en ARCO en 1987, todo estaba lleno de pinturas semifigurativas, pintadas al óleo con tonos pardos debido a la mezcla de colores complementarios y un dedo de pasta. Las modas siempre influyen. El problema es cuando estas modas adulteran tu línea creativa y dejas de ser tú.
– ¿Qué te motivó a cambiar hacia un enfoque más abstracto a partir de los años 90?
Al principio hasta mis llamadas. Imágenes iguales Eran figurativos, luego quedaron los signos de esas figuras para evolucionar paulatinamente hacia una pintura plenamente abstracta. Empezó a darme más placer jugar con formas, colores, composiciones y centrarme en la repetición de lo pintado fuera de la representación.
¿Y qué artistas te influyeron para este cambio?
Desde hace mucho tiempo, para no dejarme influenciar por nadie en particular, intento dejarme influenciar por todos al mismo tiempo. La técnica es ver todo y olvidarlo todo. Por tanto, no sé exactamente quiénes me han influido, pero sí sé quiénes me gustan, aquí van algunos: Rothko, Christopher Wool, Michael Borremans, Juán Uslé, Palazuelo, Philip Guston, Oscar Murillo, François Morellet, Lee Ufan, Oteiza, Richard Serra , Rachel Whiteread, Christian Marclay, Santiago Sierra, Wilfredo Pietro…
– ¿Qué significa la repetición de obras en tu arte?
Si no todo, casi todo. El juego de la repetición no fue una imposición, sino que surgió de la dinámica evolutiva de mi trabajo. Por eso siempre ha sido un planteamiento sólido y no un juego temporal. Georg Baselitz decía que una idea “fija” puede durar mucho tiempo en la obra de un artista, incluso toda la vida. Creo que ese es mi caso. Mis primeros trabajos como profesional, a partir de 1985, tenían una composición determinada por una cuadrícula en la que se insertaban todo tipo de imágenes.
El problema (o, visto con el tiempo, la ventaja) es que cada cuadro, por esa composición de hierro, se parecía mucho al siguiente. Tuve una lucha con la obra de finales de los 80 para diferenciar cada cuadro, pero al hacerlo noté que perdía mi personalidad. En un sueño me llegó la solución; ¿Qué pasaría si repitiera en otro cuadro lo que acababa de hacer en el primero? Así es como mi Imágenes iguales.
– ¿Cómo explicarías el diálogo entre repetición y diferencia en tus obras? ¿Qué relación tienen?
Nunca busco conscientemente la diferencia entre cuadros de una misma serie, pero como están hechos “a mano” y con técnicas a veces muy accidentales, la igualdad es totalmente imposible. En 2020 ocurrió un hecho interesante en relación a este diálogo. Desde que hice los dos primeros Imágenes iguales Nunca había tenido interés en hacer cuadros diferentes a los demás. Así fue hasta que comenzaron estos “tristes años veinte”.
– Una de las cosas que destaca de tus obras es que son pinturas objetuales. ¿Podrías explicarlo un poco?
Me gusta la materialidad de mis cuadros, pintar sobre una base sólida, no sobre un bastidor con la tela temblando. Me gusta que tengan un grosor (5, 7, 14 cm) que los haga destacar de la pared, que les dé entidad como objetos. De esta manera logro en ellos cualidades escultóricas que los realzan.
– ¿En qué momento creativo estás? ¿Vives en constante evolución? ¿Qué será lo siguiente?
En eso de la incertidumbre, como siempre, como todos. Crear siempre implica evolucionar, es imposible no hacerlo. Cuando eres joven evolucionas más rápido y luego más lentamente. Rothko decía que “la progresión de la obra de un pintor será hacia la claridad, hacia la eliminación de todos los obstáculos entre el pintor y la idea y entre la idea y el observador”. Ahí es donde estamos, allá vamos.
Eduardo Infante es periodista especializado en estilo de vida, específicamente en temas de diseño, interiorismo, arquitectura, artesanía y decoración.
Durante casi una década ha centrado su carrera en seleccionar y escribir sobre las novedades más interesantes en estos campos: desde la reforma de una vivienda hasta la inauguración de un nuevo hotel, pasando por la última colección de mobiliario de exterior o el lanzamiento de un libro. especializado.
Licenciado en Periodismo por la Universidad del País Vasco, antes de incorporarse al equipo de Elle Decor España trabajó como redactor en AD España, la revista Tentaciones y la agencia Europa Press. Como colaborador, su firma ha sido habitual en medios como El País, Arquitectura y Diseño, Vanity Fair o El Confidencial.
Además de su labor como periodista, Eduardo Infante ha trabajado como consultor de comunicación y curador de contenidos para estudios de interiorismo y arquitectura y como copy creativo para marcas del sector. También ha impartido clases en varios cursos dirigidos a profesionales del interiorismo y es profesor de la asignatura Comunicación de Proyectos en el Máster de Interiorismo del IED Madrid.
En su tiempo libre se declara un fan fatal de Los Simpson, los podcasts sobre crímenes reales, la música Italo Disco y el vermú.
