“Se llamaba Marie Clementine, pero Toulouse-Lautrec le aconsejó cambiar su nombre por el de Suzanne, en referencia al mito bíblico de Susana y los viejos“, explica en la presentación de la exposición Susana Valandon. Una epopeya moderna uno de sus comisarios, Eduard Vallès, jefe de Colecciones del Museu Nacional D’Art de Catalunya (MNAC).
Esta frase lo dice todo de la que fue una de las pintoras francesas de mayor éxito del primer tercio del siglo XX: hija de una humilde lavandera, criada en Montmartre en fin de siglo Entre las operetas de Offenbach, la tuberculosis, la prostitución, los cabarets de can-can y los teatros de sombras chinos, Suzanne Valadon sobrevivió desde los quince años siendo modelo para los pintores del barrio.
Como recuerda el otro comisario de la exposición, el norteamericano Phillip-Dennis Cate, “en aquellos tiempos Montmartre era un barrio de cinco kilómetros cuadrados en el que se encontraba la mayor concentración de artistas y bohemios de la historia, un fenómeno que no se ha producido hasta ahora. Esto volvió a suceder más tarde”. Esa densidad humana y creativa suya hizo que las habilidades como modelo de la pequeña Suzanne pasaran de boca en boca entre Toulouse-Lautrec, Degas y Renoir, que la pintaron profusamente.
Modelo, amante, amiga y “una catalana más”
Vallès explica que “entonces la profesión del modelo tenía una zona gris que implicaba una especie de prostitución y que buscaba la protección de los artistas, normalmente hombres mayores; de ahí la sugerencia de Toulouse-Lautrec de cambiar su nombre”. Según Vallès, ser modelo era, en consecuencia, un estigma que hacía prácticamente imposible dar el salto a la categoría de artista, algo que sí consiguió Valadon.
Precisamente este hecho justifica el título de la exposición (Una epopeya moderna), que se llevó a cabo en colaboración con el Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou de París, donde estuvo la exposición en 2023. Ambos comisarios coinciden en que lo que Valadon logró en un mundo completamente dominado por los hombres no tiene paralelo.
Ahora, aclaran que buena parte de ello también se explica por las intensas relaciones que estableció con los principales artistas del barrio, como los pintores antes mencionados, pero también con otros que fueron contemporáneos como Erik Satie o los llamados ” Grupo catalán”. entre los que se encontraban, entre otros, Ramon Casas, Santiago Rusiñol y Miquel Utrillo, este último con quien tuvo un hijo, al menos formalmente reconocido como tal: el pintor Maurice Utrillo.
“Los catalanes la consideraban una más de la gran familia que formaron en aquel París de principios de siglo”, explica Cate. El norteamericano, experto en aquella agitada época artística que vaticinó los profundos cambios que se vivieron con el cambio de siglo XX, especialmente tras la Primera Guerra Mundial, añade que “a su funeral asistieron pintores del calibre de Picasso, [que formó inicialmente parte de aquel grupo de ‘catalanes’]Braque o André Derain, que la consideraban una igual”.
De hecho, la versión española de la exposición, a diferencia de la que tuvo lugar en el Pompidou, cuenta con una treintena de obras de la colección del MNAC, algunas de las más destacadas, de Casas, Utrillo, Rusiñol o Sunyer, entre otros; también con las esculturas de bailarinas que realizó Degas tomándola como modelo, y en las que luego se inspiró Valadon para crear uno de sus cuadros más famosos: L’Acrobate o La Rouedesde 1916.
“Ella supo aprender de todos ellos y algunos de aquellos mayores, especialmente Degas, supieron ver su talento”, prosigue Vallès, y añade que “cuando vio algunos de sus dibujos, le enseñó las técnicas del grabado y se convirtió en una de sus primeras coleccionistas, promocionándola, algo en lo que también ayudó Lautrec”.
La mujer que se desnudó pintó al primer hombre desnudo
Se la puede reconocer en numerosos retratos de artistas de la época, pero quizás destaque especialmente el bebedor de Toulouse-Lautrec, cuadro que no está presente en la exposición, aunque se muestran algunos otros que muestran la evolución de su cuerpo desde que comenzó casi siendo una niña, con apenas quince años, hasta que es retratada por su marido en la madurez, el pintor André Utter, que era 21 años menor que ella y era amigo de su hijo cuando lo conoció.
Aunque su gran papel, el que la hizo reconocida en Francia, es el de retratista, su trabajo como modelo marcó toda su carrera y provocó, en opinión de los comisarios de Una epopeya modernaque retoma este formato una vez consagrado para reivindicar una mirada diferente al cuerpo femenino.
“Quería mostrarnos un cuerpo desexualizado, alejado de la mirada del deseo masculino que lo convierte en objeto, aunque no exento de sensualidad, concepto que remite a la conciencia de la mujer sobre su propio cuerpo, algo inusual para la época. ”, añade Vallès. Por su parte, Cate señala al respecto la existencia de un cuadro, presente en la exposición, “en el que se ve a una joven púber desnuda y estudiando su sexo a través de un espejo colocado detrás de ella, para conocer su propio cuerpo”.
Se trata, por tanto, de una mirada femenina sobre las modelos, una reivindicación frente a la perspectiva de los pintores masculinos para los que había trabajado y que la pintaron como un objeto de deseo más o menos camuflado. “Ella se rebela contra esa visión de la mujer en pinturas como la habitación azul, donde la mujer que posa está vestida, es gordita, fuma, tiene mirada desafiante y tiene libros a su alrededor”, apunta Vallès. Un prototipo de lo que sería la mujer liberada del siglo XX y que ya encarnó.
El jefe de Colecciones del MNAC también menciona la serie las odaliscas, una serie de desnudos en los que “la sensualidad y la lujuria está más depositada en los colores de los tejidos y estampados que en las mujeres mostradas”, según Vallès. Precisamente esta experta explica que Valadon “fue la primera mujer conocida que pintó un desnudo masculino”.
estaba en su pintura Verano o Adán y Eva, de 1909, donde aparecen desnudos su marido André Utter y Valadon. Ella ya era una mujer madura, como se ve en el autorretrato, y él era un joven esbelto; Ella muestra su pubis peludo en la obra y él, inicialmente, mostró su pene y sus testículos emergiendo de un mechón de pelo.
Pero la pintura fue prohibida en una exposición en la Escuela de Bellas Artes de París a menos que el sexo de Utter estuviera debidamente cubierto, como finalmente sucedió cuando Valadon pintó un cinturón de hojas de higuera sobre ella. “En cambio, respecto a la desnudez de la mujer no hubo ninguna objeción”, subraya Vallés, quien subraya que “esto ocurrió en el París del siglo XX, no en Afganistán”.
Una mirada libre en tiempos de ‘ismos’
“Suzanne Valadon tenía un estilo muy propio y muy claro, contemporáneo de sus contemporáneos, ya fueran impresionistas, fauves, expresionistas, etc., pero sin identificarse del todo con ninguno de ellos”, explica Vallès. “Las gruesas líneas negras que trazan las siluetas, las encarnaciones con colores muy vivos, más propios de los expresionistas, unas líneas reforzadas con color que recuerdan a Van Gogh, la fuerte presencia de los ojos en sus retratos, como si escudriñaran son rasgos característicos de su estilo”, añade.
Cate asegura que “muy probablemente además de conocer de primera mano el estilo de los impresionistas, Valadon tuvo acceso a las pinturas de Van Gogh, tal vez lo conoció, y también pudo observar las pinturas de Gauguin, de quien también se sienten influencias. ” Pero ambos comisarios destacan que su estilo siempre ha digerido perfectamente esas influencias para tener una voz propia que le ha permitido conservar su importancia hasta el día de hoy.
Es la historia de una mujer que empezó como modelo para pintores, hombres mayores que ella, y acabó comprando un castillo gracias a los beneficios de su trabajo como pintora ya que el Estado francés adquirió muchas de sus obras, que actualmente se exponen. en numerosos museos. francés, especialmente en el Pompidou parisino, que es el que promueve Una epopeya moderna.
