“No suelo pensar en lo que toma”, afirma Adam Pendleton (Richmond, Estados Unidos, 40 años). No es un artista fácil, en ningún sentido. Resiste a Numantino en prácticas tan exigentes como la conceptual y la abstracción frente al actual auge de la pintura figurativa, liderada por algunos de los autores afroamericanos de mayor éxito del mercado, con Kehinde Wiley o Kara Walker entre los mejores exponentes. Quizás en esa misma órbita obtendría resultados más lucrativos, pero no es eso lo que le interesa. “Simplemente no pienso en mi práctica en esos términos”, dice en el espacioso sala de exposición desde la sede madrileña de la galería Pedro Cera, donde ha inaugurado una exposición junto a su compatriota, la escultora Arlene Sechet (Adam Pendleton X Arlene Sechethasta el 13 de abril).
Sus raíces artísticas se remontan a las vanguardias históricas de hace más de un siglo y sus temas, tratados de forma compleja y en ocasiones un tanto esquiva, son una amalgama en la que se unen la identidad y el individuo como sujeto político, pero también la cultura. y memoria colectiva. “Mi objetivo es crear un espacio para mi trabajo, y para eso lo que se necesita es una fe permanente en él”, dice. “Pero una fe que no sea rígida, sino abierta a la experimentación”.
Su aportación a la exposición madrileña son pinturas y dibujos que rara vez abandonan el blanco y el negro, y cuando lo hacen es para introducir notas de tonos intensos pero sutiles, que en realidad enfatizan aún más lo restrictivo de su universo formal, y que dialogan armoniosamente con Las coloridas y dinámicas esculturas de Sechet. Con frecuencia se ha señalado que el blanco y negro de sus imágenes son un reflejo abstracto del enfrentamiento entre estos colores en términos puramente raciales. Pero, durante la conversación, prefiere no fomentar interpretaciones de simbolismo político y alegar razones puramente formales. “Simplemente utilizo los materiales y colores necesarios en cada momento”, explica. “El color puede ser increíble, pero creo que la apariencia se vuelve más profunda cuando no existe tal interferencia”.
Lo mismo ocurre cuando se menciona la situación política de Estados Unidos, marcada por el nuevo ascenso de Trump. “¿Puedo saber por qué me preguntas eso?” pregunta, suavizando la reacción defensiva con una risa.
– Porque desde fuera Hay cierta fascinación por la figura de Trump, que se mezcla con una sensación de horror. Preguntar a intelectuales estadounidenses como usted sobre él es un intento de comprenderlo.
– Ya. Quiero reconocer la realidad y sus situaciones, pero no distraerme con ellas. Creo que al final es importante centrarse en el trabajo, porque puede ser una forma muy relevante de posicionarse como individuo. Supongo que me pregunto: “¿Quiero representar a Estados Unidos?” La verdad es que eso no me interesa. Si así fuera, sería un político antes que un artista.
– Volviendo entonces a la obra, ¿cómo explicas el uso del color negro en ella?
–La pintura es un espacio muy material, y esa es una decisión que no me tomo a la ligera. El negro es la unión de todos los colores. Hay algo esencial en él, muy profundo.
La profundidad es algo a lo que regresas una y otra vez. Cuando la cultura del espectáculo, omnipresente también en las artes visuales, parece recomendar enfoques superficiales y sorprendentes a cualquier tema, persigue objetivos muy diferentes: “Busco las posibilidades de una mirada profunda, de una práctica profunda. .” y pensamiento profundo. Siempre me ha fascinado cómo cierto arte logra mantener la atención de las personas a lo largo del tiempo, cómo durante cientos de años podemos estar mirando los mismos cuadros o escuchando la misma música. Así que me veo más como un artista que contribuye a una historia muy larga”.
Lo cual no le ha impedido desarrollar una carrera de éxitos tempranos y fulgurantes. A los 18 años, recién terminada la secundaria, viajó a Pietrasanta, al norte de Italia (famosa por su cantera donde Miguel Ángel buscaba el mármol para sus esculturas) para seguir un programa de residencia artística; Con sólo 26 años incluyó una gran instalación en una exposición colectiva en el espacio PS1 del MoMA de Nueva York; Y al cumplir 28 años se convirtió en el artista más joven en la nómina de la poderosa galería multinacional Pace. Poco antes había dado forma a su proyecto más ambicioso, su propio movimiento artístico, llamado Black Dada, nombre obtenido de un poema de 1964 del escritor Amiri Baraka, pilar de la cultura afroamericana. Aunque la formulación exacta del significado de Black Dada es bastante enigmática, se ha definido como una prospección de las interrelaciones entre negritud, vanguardia y abstracción. “Las cosas no siempre son claras y perfectas, pero también hay ideas incongruentes”, alega Pendleton. “Y eso está bien, porque tiene que haber conflicto y caos generativo, lo cual creo que es muy importante en el arte”.
En 2021 presentó la que quizás sea su exposición más ambiciosa hasta la fecha, ¿Quién es la reina? (traducible como “¿quién es un maricón?”), una suerte de obra total en forma de instalación que incorpora referencias a la historia del arte y la arquitectura moderna y textos de diversa procedencia en dibujos, pinturas, esculturas y vídeos, y donde su identidad como hombre gay afroamericano se reflejaba de maneras complejas y multiformes. El título en sí tenía una cualidad misteriosa que sugería todo tipo de interpretaciones. “Toca esta idea de la relación entre cómo quieres ser interpretado y comprendido y cómo eso se relaciona con cómo eres realmente interpretado y comprendido, porque a menudo los dos no coinciden”, explica ahora. “Se refiere a cómo se usa la palabra. que en en los espacios queer. Es un título que es una pregunta, entonces se trataba de meditar sobre esas ideas, sobre la representación y cómo esto se relaciona con la abstracción. Porque todos existimos en un estado abstracto. Y como artista me siento guiado por nociones de pensamiento y composición también abstractos”. Volvería sobre esta idea con una gran exposición individual en el museo Mumok de Viena, Oscuridad, blanco y luz (“La negrura, el blanco y la luz”), que cerró en enero.
Como activista, actúa más allá de su práctica: el año pasado se alió con la casa de subastas Sotheby’s, la tenista Venus Williams y un grupo de artistas como Rashid Johnson, Julie Mehretu y Ellen Gallagher – “no hay nada como la generosidad de “A los artistas”, asegura, “organizar una subasta que les permita adquirir la casa natal de la cantante Nina Simone y preservarla como vestigio material de la cultura estadounidense”. “Nina Simone representa algo de importancia crítica, que nos permite pensar en la cultura de mi país como un lugar complejo e inclusivo, en lugar de simple y exclusivo”, añade. “Debemos ser custodios de nuestro presente y nuestro futuro”.
